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荡舟戏荷田

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引用 【引用】国画知识   

2012-03-01 10:23:22|  分类: 书画技法辑录(引 |  标签: |举报 |字号 订阅

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本文转载自怡心斋主《【引用】国画知识》

 

中国画的概念

中国画俗称“国画”,是我国传统造型艺术之一,在世界美术领域中自成体系,是东方艺术宝库中一颗最璀璨的明珠,具有悠久的历史和优良的民族传统。从表现对象来说,可分为山水、花鸟、人物三个画科;从表现形式上来说,有工笔、写意和没骨之分;从技法形式上区分,有线描、水墨、淡彩、泼彩、泼墨、浅绛、金碧、大小青绿等等;从材料工具来看,主要使用毛笔、宣纸、墨水、砚池,俗称“文房四宝”。

与油画主要用光色变化和以面为形式表现物象的方法不同,国画主要运用线条和墨色的变化,以皴、钩、点、染等笔墨形式来表现黑白灰、干湿、浓淡、疏密、聚散等形式因素,且常采用散点透视法来描绘物象。有壁画、屏幛、卷轴、扇面、册页等画幅形式,并辅以传统的装裱工艺。

中国画的本质是“写意”和“线条”。早在公元5世纪,南北朝时的谢赫就提出了中国画的“六法论”。这“六法”是:一、气韵生动;二、骨法用笔、三、应物象形;四、随类傅彩;五、经营位置;六、传移摹写。宋代郭若虚说:“六法精论,万古不移”。这话虽然不免有些夸大,但却说出了这“六法”在中国绘画史上的重大影响。

“六法”中,最主要的是前两法。我们可以这样说,“气韵生动”是中国画的最高境界,“骨法用笔”是达到这一境界的主要手段。

所谓“气韵”,是指画家赋予绘画对象的整体气质和神韵,是其神情风采,精神面貌和内在生命,用宗白华先生的话来说,就是“生命的律动”。面对生生不息的自然,中国画家希望能生生不息地表现出它的本质和韵律,在观照自然时,中国画家不是选取一个固定的立足点去描形绘色,而是采取从世外鸟瞰的立场,全方位、多角度地观照大自然,集合数层与多方的视点,谱成一幅超象空灵的诗情画境。

中国山水画中所谓“三远”法(即平远、高远、深远)法的运用,是以画家对大自然的感受为基础的,所以它完全不同于西方的“焦点透视法”,它似乎是一种游动的散点透视,但又不尽然,因为它更自由。试以“高远法”为例。西洋画家,面对大自然,先要选定一个最佳观察点,并固定于此,采用焦点透视,画下他所看到的景物。一般是看到什么画什么,而且完全按照视觉比例,没有看到的绝对不能添加上去。而中国画家,则集合多方面的观察,再加上合乎情理的想像。山脚是一个视点,山腰又是一个视点,山顶还是一个视点,于是就形成了山重水复,山外有山,雄伟博大的境界。如果从几何学的空间原理分析,有许多景物在一个视点上是无法看到的,中国画所表现出来的景色,不是在山脚能看到的,不是在山顶能看到的,也不是在飞机高空中能看到的,而是大自然集中于作者以上中的形象,这种立场,是在时空中徘徊移动,游目周览而得的。其观照的对象,不单是一草一木,一山一水,而是全方位多角度的大自然。这就是中国画的真实,从本质上来说,它更真实,更符合自然的本来面目,它不符合几何学的原理,但它合乎人类思维的情。

如果从几何学的原理来看,中国画的手卷就更不可思议了。一卷并不很长的纸,可绘出万里长江的景色,可表现春夏秋冬的四季变化,时空全被打破了。但在中国人的眼里,它是自然的缩影和提练,画得自然,观赏起来也非常自然,合情合理。

山水画如此,花鸟画和人物画同样如是。西洋画的静物写生,是摄影式,接近于真实的;中国画的花卉则不然,作者可以自由地选取最为动人的一截,根据需要,或墨或色,或寸或晴,或临风弄姿,或傲霜临雪,画家的情溶在花草里,化在笔墨中,画家的笔墨是主宰。

西方人物画注重光与色,强调比例的匀称,神态的逼真。中国人物画则强调传神。一方面注重面部刻画,借眉目以传情;另一方面创造了多种衣纹程式,用以表现不同质地地服饰,衬人物的不同性格,对色相与比例,并不重视。

中国画是写意的,所谓“意”,有两个方面的含义。第一是指绘画时,取绘画对象的大意,注重神似;第二是指画出对象的神、情、气、韵。中国画,即使是工笔画,也是非常注重“意象”的。写意的观点,别于写实和抽象,但又介于写实和抽象之间。它的着眼点始终是气韵。气韵讲究余味,这与诗相通。所以融诗意、诗境于画景之中,形成画境。画境是中国画的一大特色。所谓诗中有画,画中有诗,诗与画是高度交融在一起的,“诗”是中国画的灵魂。

中国画从技法上讲,可以说是线的艺术、墨的艺术,所以笔墨就形成了中国画的根本技法。这就是“六法论”中所说的“骨法用笔”了。宗白华先生说:“骨法用笔,即系用笔法把捉物的骨气以表现生命的动象。”其实,“骨法用笔”还应包括另一层意思,即笔的骨气,这就自然与中国书法联系在一起了。书画同源,书画同法,以书法为画,这正是中国画的另一大特点。所谓以书法为画,是指画家在用笔时,讲究书法的运笔法则和笔墨趣味。元代大画家赵孟富说:“石如飞白木如箍,写竹还与八法通。若也有人能如此,方知书画本来同。”明代董其昌说:“以草隶奇字之法为之,树如屈铁,山如画沙,绝去甜俗蹊径,乃为士气。”赵孟富具体形象地书画本质的相同;董其昌则进一步阐发了以书画是文人士气的表现。

中国书法,讲究力度,所谓“力能扛鼎”,“绵内藏针”即是指此。中国书法,还注重对自然的追求,如“锥划沙”、“屋漏痕”、“折钗股”,这些朴质的形象,正是书法用笔的最高境界。把这些要求应用于画中,就出现了千变万化描绘万物的各种点、划、勾、皴、描之法。

以上介绍,已经把中国画的两大特点表述出来,第一是中国画始终以对象的“气韵”为描绘重点的意象艺术;第二是中国书画同源、同法、绘画的点划皴描等诸多技法,都不能离开书法的规范。

中国画的第三个特点表现在色彩方面。关于中国画的色彩,谢赫的“六法”中有一条叫“随类傅彩”,其关键在“随类”二字。西洋画的色彩依据光的变化而变化,时间不同,环境不同,所表现出来的色彩也就不同,比如人坐在壁炉前与坐在松林中,因变光照不同,脸上衣服上的色彩也就不同,这是依据光学原理而产生的符合科学的变化。中国画则不然,不论在什么环境下,某类事物本来是什么颜色,它就永远用这种色彩来表现。比如人,肤色是淡赫色的,不论是在太阳光下,或者是在月光下,还是在炉火前,它都用淡赫色来表示,但男人和和女人不同,老人和小孩不同,这就叫“随类傅彩”。可以这样说,中国画在一定程度上捐弃了色相,尤其在水墨画中。与西洋油画相比,中国画的色彩近乎简练概括的符号。之所以如此,是因为这是中国画的目的所决定的。前面说过,中国画的最终目的是表现对象内在的气韵,也就是内在的韵律,生命的律动。所以,中国画舍弃喧丽耀彩的色,强调灵动流畅的线,轻烟淡墨,虚灵如梦,洗尽铅华,神韵毕现。

中国画的色彩是高度概括化的,在水墨画中,概括到黑白二色。作者以墨气表达骨气,以墨彩暗示色彩,因此中国画对墨的运用就特别讲究,所谓“墨分五色”、“墨有六彩”,实际上都是指墨色的变化丰富而言的。同时,中国画又特别重视空白。西洋油画一定要用颜色铺满画布,而中国画则一定要在宣纸上留出“空白”。这个“白”,绝不是什么也没有的空白,绝不是虚无,而是一种高度的暗示,它可以理解为无边的宇宙,也可以理解为流动的云彩,也可以理解为浩瀚的大水。庄子说:“瞻彼阕者,虚室生白”,笪重光说:“虚实相生,无画处皆成妙境。”中国画的空白所暗示出的内容,恐怕是任何色彩都无法表达的,这正是中国画的高妙处。

以上简要介绍了中国画有别于西洋油画的三个特点,虽说是挂一漏万,但却是本质特点。明于此,方可谈中国画,方可欣赏中国画,不然就只能是“盲人摸象”“不识庐山真面目”了

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